我成為構築音樂的零件之一：AUDIO ARCHITECTURE「聲音的建築展」
去年底，台北華山有個相當特別的展覽，取名為《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》，由日本知名互動設師中村勇吾 (Yugo Nakamura) 擔任展覽總監，音樂人小山田圭吾 ( Cornelius ) 替展覽創作同名樂曲。由片山正通（Wonderwall） 設計在東京的展覽空間，並監督台灣移展。
我在看展前並沒有特別作功課，純粹因為展名而起了興趣。「聲音」+「建築」？你會有什麼樣的想像？再走進展場前，我原先以為這個展覽的本體可能是「建築」，畢竟按照中文的文法，名詞與名詞擺在一起，前面的名詞會變成形容詞來形容後面的名詞，好比「蜘蛛人」是有蜘蛛特徵的人，那聲音展可能是可以結合聲響的建材，或是有考慮音場設計的建築，聲音與空間的搭配等等，但真正走進去之後卻發現全然不是這麼回事。
那麼，究竟「AUDIO ARCHITECTURE」是什麼意思呢？就我的理解而言，這個展最主要想傳達的是，音樂如何如同積木一樣被堆疊，被構築起來？音樂就如同蓋房子一樣，很多時候不是一夕之間或光靠簡單的物件就可以堆疊而成的，而是透過鼓、Bass、吉他、鋼琴等，加上文字、Vocal，甚至音色、音量、音頻、節奏或更多工業化的環節之後，最後才被形塑成一首一首，我們在串流音樂上所聆聽到的所謂「成品」。只是很多時候作為這工業化流程末端的聽眾的你我，有時候沒辦法進入、參與這個流程，導致我們不曾注意，其實所謂樂曲，就是這樣一步一步被「建築」起來的。
整個展覽環繞著一首主題曲〈Cornelius〉而展開，多位藝術家在展場內使用這首歌曲製作不同的作品/裝置，讓觀眾感受其聲音的構築。可能是使用影像表象，讓觀眾能「看見」在同個時間中，不同的樂器所呈現的不同音頻是「什麼樣子」，簡言之就是讓不同樂器的聲波「具現化成影像」，讓觀眾可以用更多的視覺來輔佐對聲音的理解。
而除了這樣單純的「觀看之外」，展場也有多個作品是使用視訊鏡頭，捕捉觀眾的肢體動作，或即時拍下照片直接呈現進作品中，讓觀眾也成為作品一部分的方式，與之進行互動。這部分非常有趣，展場中你隨處都可以看到有關重試著用手機捕捉自己呈現在作品上的身影。
而整個展我感受最深的部分是，視覺與互動要素呈現得非常好，「AUDIO ARCHITECTURE」，很擅於使用巨大的屏幕還有聲音來製造出沉浸式的體驗，首要的原因當然是大多數的作品尺寸都蠻大的（大多超出你的電腦螢幕或者客廳電視），而當你靠近，或是走進螢幕時，就會有種迷幻、游離或離開現實的感覺。除此外「AUDIO ARCHITECTURE」也擅於在作品與作品之間，規劃出很好的隔間，整個展場以黑色作為主色系，讓大多數的作品都可以得到觀眾絕對的專注，搭配上洗腦度超高的主題曲視覺、影像、同時播放，真的會有讓人忘記時間的感覺。
在看完展覽半年多的時間，當要寫下這篇觀後感的時候，我的腦中竟然瞬間浮出了主題曲的歌詞：「Into the music, music don’t stop.」這個展不只是呈現分解了音樂的構成，我更會說它是呈現了一個「音樂建築中」的「行為」，讓你參與了音樂成形的一部分，喜歡音樂的朋友，下次有機會，請務必抽空去體驗這個奇妙又好玩的展覽。
Cover Credit: INCEPTION 啟藝
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文 / 米鹿
是部落客也是Youtuber。自2013年起在報章雜誌&網站著有音樂評論文章，曾採訪張學友、陳奕迅、李榮浩等近百位歌手。關注中文與KPOP音樂。
